Zwischen Traum, Körper und Freiheit

Als 1924 das „Manifeste du surréalisme“ von André Breton erschien, war dies nicht nur der Gründungsakt einer neuen Schule, sondern auch die programmatische Explosion eines Bewusstseinszustands, der den Traum, das Unbewusste und die radikale Subjektivität ins Zentrum poetischen Denkens rückte. Mehr als hundert Jahre später erinnert die Neuedition von Paul Éluards Gedichtsammlung Entwurzelte Schatten mit einem Vorwort von Jakob Leiner daran, dass diese Bewegung nicht nur ein historisches Ereignis war, sondern eine ästhetische Haltung, die bis in unsere Gegenwart hineinragt. Die Gedichte von Paul Éluard, die in Zusammenarbeit mit Francis Poulenc vertont wurden und nun zweisprachig neu herausgegeben worden sind, wirken beim Lesen erstaunlich aktuell, gerade weil sie aus einer Zeit stammen, die von politischer Unsicherheit, Kriegserfahrung und latenter Bedrohung geprägt war.

Zwischen 1919 und 1924, im Schatten eines vergangenen Weltkriegs und im unheilvollen Vorzeichen eines kommenden, formierte sich der Surrealismus als dichterische Antwort auf eine aus den Fugen geratene Welt. Dichter wie Robert Desnos und Éluard schlossen sich der Gruppe um André Breton an und entwickelten eine Poetik der Assoziation, in der psychoanalytische Impulse, Traumlogik und Sprachspiel ineinandergreifen. In Entwurzelte Schatten begegnet man genau dieser Mischung aus schwer entzifferbaren Bildfolgen, körperlicher Intensität und einer imaginären Welt, die sich zwischen Licht und Dunkel, Offenbarung und Verschleierung, Tag und Nacht bewegt. Die Gedichte sind geprägt durch Antithesen, die zugleich psychologisch und metaphysisch aufgeladen sind, denn sie fragen danach, welche verborgenen Kräfte im Menschen liegen und welchen (erkenntnistheoretischen) Zugang er zu ihnen hat.

Dabei ist Éluard ein Dichter, der weniger durch narrative Vielfalt, sondern vielmehr mithilfe motivischer Verdichtung arbeitet. Seine Bildwelt ist reich, doch sie bewegt sich immer wieder in denselben Konstellationen: Körper und Natur, Sonne und Mond, Auge und Gesicht, Lust und Angst, Frühling und Herbst. Diese wiederkehrenden Archetypen verleihen dem Band eine eigentümliche Geschlossenheit, die zugleich als Stärke und als Schwäche empfunden werden kann. Denn während die Gedichte in ihrer Musikalität überzeugen, entsteht beim stillen Lesen mitunter der Eindruck, dass sich Motive und Metaphern überlagern, ohne sich entscheidend weiterzuentwickeln. Besonders deutlich wird Éluards poetische Kraft jedoch dort, wo er in knapper Form existentielle Zustände verdichtet. Das berühmte Gedicht, aus dem später Françoise Sagan den Titel ihres Romans Bonjour Tristesse entnahm, entfaltet in wenigen Zeilen eine eindringliche Bildlichkeit:

Adieu tristesse
Bonjour tristesse
Tu es inscrite dans les lignes du plafond
Tu es inscrite dans les yeux que j’aime

Hier wird Traurigkeit nicht als abstraktes Gefühl beschrieben, sondern als etwas, das sich in Räume einschreibt und in Blicken materialisiert. Die Emotion erhält eine fast architektonische Qualität, indem sie in Deckenlinien und Augen verortet ist, wodurch Innen- und Außenwelt untrennbar ineinander übergehen.

Die Liebe erscheint bei Éluard stets zart und beinahe transparent, doch sie bleibt auffallend anonym. Frauen werden nicht beim Namen genannt, sondern über Augen, Gesicht und Körperpartien beschrieben, wodurch sie zugleich präsent und entrückt wirken:

Tu peux sortir en robe decristal
Ta beauté continue
Tes yeux versent des larmes des caresses des sourires
Tes yeux sont sans secret
Sans limites.

Die Augen fungieren hier als Projektionsflächen, als Orte der Wahrheit und der Unendlichkeit, während der Körper in enger Verbindung mit der Natur erscheint. Jakob Leiner weist in seinem Vorwort darauf hin, dass das französische Wort „sein“ – die Brust – im Band auffallend häufig vorkommt, was darauf hindeutet, dass der Körper für Éluard nicht nur ein erotischer, sondern auch ein symbolischer Ort ist. Natur und Anatomie verschmelzen miteinander, sodass der menschliche Leib zu einer Landschaft wird, in der sich Begehren und Befreiung zugleich artikulieren.

Neben der Lust ist es vor allem die Angst vor Einschließung, die sich durch den Band zieht. In eindringlichen Bildern beschreibt Éluard das Gefühl des Eingesperrtseins, dem er die Kraft der Natur entgegensetzt:

La nuit le froid la solitude
On m’enferma soigneusement
Mais les branches cherchaient leur voie dans la prison
Autour de moi l’herbe trouve le ciel

Hierdurch brechen Zweige und Gras die Gefängnismauern der Erfahrung, sodass die Natur zur Metapher für Freiheit wird. Der Gegensatz zwischen Enge und Weite, zwischen Winter und Sommer, zwischen Dunkelheit und Licht durchzieht die Gedichte als strukturelles Prinzip:

Le jour m’étonne et la nuit me fait peur
L’été me hante et l’hiver me poursuit

Diese Spannungen kulminieren schließlich in „Liberté“, jenem Gedicht, das Éluard im Zweiten Weltkrieg schrieb, als er sich der Résistance anschloss und 1942 der kommunistischen Partei beitrat. Dass der Text tausendfach von Flugzeugen über der besetzten Zone abgeworfen wurde, verleiht ihm eine historische Dringlichkeit, die über das rein Literarische hinausgeht. In den berühmten Anfangszeilen

Sur mes cahiers d’écolier
Sur mon pupître et les arbres
Sur le sable sur la neige
J’écris ton nom

entfaltet sich die ganze existentielle Erfahrung von Bedrohung und Hoffnung, indem das Schreiben selbst als Akt der Befreiung erscheint – zumindest dann, wenn man den Entstehungskontext kennt. Hier wird deutlich, dass Éluards Poetik nicht allein auf Sinnlichkeit zielt, sondern auf eine Form von dichterischer Religion, in der der Körper zum Ort der Emanzipation wird.

Die Neuedition von Entwurzelte Schatten lädt dazu ein, Éluard jenseits von Schulkanon und Zitatgeschichte neu zu entdecken. Gerade in einer Zeit, in der Fragen nach Freiheit, Enge und politischer Bedrohung erneut virulent sind, entfaltet Éluards Werk eine überraschende Aktualität, weil es zeigt, dass Poesie nicht nur ein Spiel mit Bildern ist, sondern eine Form des Widerstands gegen das Verstummen.

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